🎸 おじさんギタリストシリーズ#70 耳で探す、最初の一音 編

たまには音楽論や技術的なお話を。

普段はギターを弾きながら感じたことや、日々の出来事をあれこれ書いているこのシリーズ。

今回は少し趣向を変えて、ギターをある程度弾いている方に向けたお話をしてみようと思う。

テーマは、即興演奏。

いわゆるアドリブというやつだ。

コードもある程度分かる。
スケールもいくつか覚えた。
好きな曲に合わせてギターを弾くこともできる。

でも、知らない曲が突然始まると、どこから弾けばいいのか迷ってしまう。

そんな経験、ないだろうか。

実は、ある程度弾けるようになってからの方が、こういう壁にぶつかることがある。

今日はそんな方が、もう一歩踏み出すための「耳の使い方」について、私なりに書いてみたい。

難しい理論を覚えるというより、すでに知っていることを耳と結びつける話。

最初に少しだけ整理しておくと、曲のキーを聴き取ることと、コードに合わせて音を選ぶことは、厳密には別の技術になる。

今回は、その二つを少しずつつなげていこうと思う。

途中で有名な曲も紹介するので、よかったら実際に聴きながら読み進めてほしい。

音を聴いた方が、文章で百回説明するより早いこともあるので。笑

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■ 最初に探すのは、スケールではない

スタジオで誰かがギターを弾き始める。

まだ曲名も知らない。コード進行も聞いていない。

でも、なんとなく一緒に弾いてみたくなる。

私も長いことギターを弾いているけれど、知らない曲に飛び込むときは、今でも少し耳を澄ませる。

若い頃は、とりあえず知っているスケールを当てはめていた。

それで案外なんとかなったりもする。

ただ、なんとかなっているだけで、音楽になっているかどうかは別の話だったりするんだよね。笑

知らない曲が流れたとき、まず何を考えるだろう。

「キーは何だろう？」

「メジャーかな、マイナーかな？」

「ペンタトニックでいけるかな？」

どれも間違いではない。

でも、私が最初に探すのは、もう少し単純なもの。

この曲は、どの音に帰りたがっているんだろう。

という感覚だ。

例えば、伴奏を聴きながら適当に鼻歌を歌ってみる。

何音か歌っているうちに、そこで止まると落ち着く音が見つかることがある。

その音が、曲の中心になっている主音かもしれない。

もちろん、いつでも簡単に見つかるわけではない。

曲によっては、なかなか帰る場所を教えてくれないものもある。

それでも、最初から指板を見て音を探すより、耳で落ち着く場所を探した方が、私には自然だったりする。

♪ The Beatles – Let It Be（1970年）

この感覚を確かめるなら、『Let It Be』が分かりやすい。

原曲の代表的なコード進行は、

C → G → Am → F

という流れ。

コードは次々と変わっていくけれど、曲全体はCメジャーを中心にしている。

ここで試してほしいことがある。

曲を聴きながら、ギターでCの音を探してみる。

そして、コードがCに戻るところで、その音を鳴らしてみる。

Cメジャーのコードは、C・E・Gという三つの音を基本にできている。

だからCが鳴れば、当然そのコードにはよく馴染む。

でも、ここで感じてほしいのは、単にコードに合っているということだけではない。

いくつものコードを通り過ぎたあと、曲全体がCへ戻ってきたときの落ち着き。

その感覚だ。

もちろん、曲の途中ではGやAm、Fなど、それぞれのコードに合う音がある。

Cだけを弾き続ければいいという話ではない。

一つひとつのコードが落ち着く場所と、曲全体が帰ってくる場所は、必ずしも同じではない。

この違いを感じられるようになると、キーを探すときの手掛かりが増えてくる。

ベースの音も大きなヒントになる。

ただし、ベースが弾いている音が、そのまま曲全体の主音とは限らない。

コードが変わればベースも動く。

だから一つの音だけで判断せず、何小節か聴いてみる。

焦らない。

まだ弾いていないのに、もうセッションは始まっている。

【動画①】The Beatles – Let It Be

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■ メジャーとマイナーを聴き分ける、小さなコツ

ある程度ギターを弾いている方なら、メジャースケールとマイナースケールの違いは知っていると思う。

でも、知識として知っていることと、演奏中に耳で判断できることは少し違う。

そこで、私が勧めたいのが「3度の音」を聴く練習。

例えば、Aを中心とする音楽を考えてみよう。

Aメジャースケールは、

A・B・C♯・D・E・F♯・G♯

Aナチュラルマイナースケールは、

A・B・C・D・E・F・G

この二つを比べると、3番目の音が違っている。

AメジャーならC♯。

AマイナーならC。

もちろん、スケール全体では6度や7度の音も違う。

ただ、メジャーとマイナーの基本的な響きを聴き分けるうえで、3度は特に重要な音になる。

実際にギターで弾いてみると分かりやすい。

Aの音を鳴らしてから、C♯を弾いてみる。

次に、同じAからCを弾いてみる。

たった半音の違いなのに、ずいぶん印象が変わる。

さらに、A・C♯・EとA・C・Eをコードとして鳴らし比べてもいい。

同じAを中心にしているのに、響きの性格が変わる。

これを繰り返す。

指の形を覚えるのではなく、響きの違いを耳に覚えさせる。

♪ The Beatles – Yesterday（1965年）

ここで『Yesterday』を聴いてみよう。

この曲はFメジャーを中心にしているけれど、途中でDマイナーへと強く引き寄せられる。

実際に冒頭のコード進行を見てみると、

F → Em7 → A7 → Dm

という流れがある。

細かいコードの役割をすべて覚える必要はない。

ここで注目してほしいのは、A7からDmへ移るところ。

A7を構成する音は、

A・C♯・E・G

そしてDmは、

D・F・A

このとき、A7のC♯は、次のDmのDへ半音上がることで、自然な解決感を生む。

実際の演奏では、すべての楽器がその動きをそのまま弾いているわけではない。

でも、和音の中にある音のつながりとして、この半音の動きを意識して聴くと面白い。

一度、ギターでA7を鳴らしてからDmへ移ってみてほしい。

今度はC♯からDへ、単音で弾いてみる。

「ああ、次の音へ行きたがっているな」

そんな感覚が少し分かるかもしれない。

ちなみに、FメジャーとDマイナーは、同じ調号を持つ近い関係の調だ。

だから、この曲は単純にメジャーからマイナーへ切り替わったというだけでは説明しきれない。

むしろ、メジャーを中心にしながら、マイナーへ向かう流れが曲の表情を作っている。

明るい部屋の中に、ふっと影が差すような感じ。

そして、ここは大切なのだけれど、『Yesterday』のコード進行と、先ほどのAメジャーとAマイナーの弾き比べは、別の現象を聴いている。

前者はコードが次へ向かう動き。

後者は同じ主音を持つメジャーとマイナーの違い。

この二つを分けて聴くことで、耳の判断材料が少し増えてくる。

ちなみに、メジャーは明るくてマイナーは暗い、という説明をよく見かけるけれど、実際の音楽はそんなに単純でもない。

明るいコードなのに寂しく聴こえることもあるし、マイナーなのに妙に前向きな曲もある。

だから感情だけで判断しない。

3度の音が、伴奏に対してどう響くか。

そこを聴く。

これが大切だと思う。

【動画②】The Beatles – Yesterday

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■ たくさん弾くより、3音だけで弾いてみる

ここからは実際の練習。

A7のコードを鳴らしてみよう。

ループできるなら、何小節か繰り返しておく。

そして、使う音を三つだけにする。

A・C♯・E

これはAメジャーの基本となる三和音で、A7にも含まれている音だ。

ちなみにA7には、もう一つGという音が加わる。

ただ、最初はあえて三音に絞ってみる。

これだけで短いフレーズを作ってみよう。

最初は、どうにも物足りない。

普段ならもっと動けるのに、音を三つに制限されている。

まるで冷蔵庫に卵とネギしか残っていない夜みたいなものだ。笑

でも、ここで少し工夫してみる。

同じAでも、長く伸ばす。

C♯を短く弾いてEへ移る。

わざと休符を入れる。

音の数は増えていないのに、表情が変わってくる。

♪ Ben E. King – Stand by Me（1961年）

ここで『Stand by Me』を聴いてみてほしい。

あの印象的なベースライン。

決して複雑な音の動きではない。

でも、あのフレーズが流れた瞬間、何の曲か分かってしまう。

もちろん、ベースラインとギターソロでは役割が違う。

それでも、限られた音をどう並べるか、どこで伸ばすか、どこに間を作るかという意味では、とても参考になる。

この曲の代表的なコード進行は、

A → F♯m → D → E

という循環。

ここで一つ試してみよう。

まずAのコードを鳴らして、A・C♯・Eだけで短いメロディーを作る。

次にF♯mへ変わったら、F♯・A・C♯を使ってみる。

どちらも三音だけ。

しかも、AとC♯は共通している。

違うのは、AコードのEと、F♯mコードのF♯。

この違いを耳で確かめてみる。

ただし、コードが変わったからといって、必ず使う音を全部入れ替える必要はない。

例えば、Aコードで弾いていたEを、F♯mに変わる瞬間にF♯へ動かしてみる。

これなら、次のコードのルート音へ移ることで、コードが変わったことをメロディーでも感じられる。

では、Eをそのまま伸ばしてみたらどうだろう。

実は、EはF♯mに対して短7度にあたる音でもある。

つまり、F♯mの基本となる三和音には含まれないけれど、F♯m7という響きの一部として使うことができる。

同じEを鳴らしているのに、伴奏がAからF♯mへ変わることで、その音の役割も変わる。

ここが面白い。

音を動かして次のコードを表現する方法もあれば、あえて動かさず、伴奏との関係が変わるのを聴かせる方法もある。

コードが変わったからといって、必ず音を変える必要はない。

速く弾く必要もない。

たった三音でも、置き方によって音楽になる。

そこを感じてほしい。

なお、ここで紹介した三音の練習は、原曲のベースラインやメロディーをそのまま再現するものではない。

『Stand by Me』のシンプルで印象的な音の使い方を手掛かりに、自分で音を選ぶ練習として考えてほしい。

【動画③】Ben E. King – Stand by Me

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■ わざと少し外すと、面白い音になる

さて、先ほどのA7に戻ろう。

A・C♯・E。

ここに、Cの音を一つ足してみる。

さっきまで使っていたC♯とは半音違う音。

A7のコードにはC♯が含まれているので、Cを重ねると、少しぶつかるような響きが生まれる。

普通のAメジャースケールだけで考えると、少し外れたようにも聴こえる。

でも、ブルースやロックでは、この短3度の音が重要な役割を持つことがある。

Cを弾いてから、C♯へ少し持ち上げてみる。

チョーキングでも、スライドでもいい。

すると、ブルージーな緊張感から、コードに馴染む響きへと移っていく。

もちろん、Cを必ずC♯へ解決させなければならないわけではない。

そのまま残した方が格好いいことだってある。

ただ、音がぶつかっているのか、落ち着いているのか。

それを自分の耳で判断できるようになると、音の選び方が変わってくる。

♪ Cream – Sunshine of Your Love（1967年）

この曲の有名なギターリフを思い出してほしい。

あの少し重たく、粘りつくようなフレーズ。

Dを中心としたブルース的な音使いが特徴的だ。

ここで、Dブルーススケールの音を並べてみよう。

D・F・G・A♭・A・C

これはDマイナーペンタトニックに、♭5のA♭を加えた音の並びになる。

この曲の代表的なリフにも、こうした音が登場する。

特に注目したいのが、FとA♭。

Dから見たFは短3度。

A♭は減5度、いわゆる♭5にあたる。

どちらもブルースらしい響きを作る重要な音だけれど、同じ役割ではない。

Fは、Dを中心としたマイナー系の響きを感じさせる音。

一方、A♭は、完全5度のAと完全4度のGの間に位置する音で、独特の緊張感を生む。

実際のリフでは、AからA♭、そしてGへと下がる動きが聴こえてくる。

この半音を含む動きが、あの独特の粘りを作っている。

ギターを持っている方は、まずDを鳴らしてからFへ動いてみてほしい。

次に、AからA♭、Gへと下がってみる。

短3度と♭5が、それぞれ違う響きを持っていることが分かると思う。

ただし、ここで一つ補足しておきたい。

この曲は、単純にDメジャーコードの上でDブルーススケールを弾いている、という説明では正確ではない。

原曲のリフや伴奏には、パワーコード的な響きや、ブルースとロックが混ざり合った音使いがある。

パワーコードは基本的にルートと5度を中心にした響きなので、それだけではメジャーかマイナーかを決める3度が明確にならない。

だからこそ、短3度のFや♭5のA♭といった音が、独特の表情を作ることにもつながっている。

もちろん、曲のすべてを一つのスケールだけで説明できるわけではない。

ここで聴いてほしいのは、ブルース的な音の選び方と、半音の動きが作る緊張感。

そして、それをどんなリズムで鳴らしているか。

ブルースの音は、ただスケールを覚えれば出てくるものでもない。

どの音を少し引っ張るのか。

どこで止めるのか。

その加減で、同じフレーズでもずいぶん表情が変わる。

ちなみに私は、こういうリフを弾いていると、ついつい必要以上に粘ってしまう。

音より先に自分が粘っている。

困ったものである。笑

【動画④】Cream – Sunshine of Your Love

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■ 頭の中で歌えた音を、ギターで探す

これは私自身、今でも大切にしていること。

伴奏を聴きながら、まず短いメロディーを頭の中で作る。

できれば声に出して歌ってみる。

それからギターで再現する。

最初は二音でも三音でもいい。

頭の中で、

「ター、タタ、ター」

と聴こえたら、それをギターで探す。

簡単そうだけれど、案外難しい。

特に、長年ギターを弾いていると、指が勝手に知っている場所へ動いてしまう。

耳が次の音を探す前に、指が先回りするんだよね。

気がつけば、いつものペンタトニック。

しかも、なぜか昨日も弾いたフレーズ。

……お前、また来たのか。笑

もちろん、手癖が悪いわけではない。

長い時間をかけて身体に残ったものだから、それ自体は大切な財産だと思う。

ただ、いつも同じところへ戻ってしまうなら、たまには耳に先頭を歩かせてみる。

ここで、先ほどの『Stand by Me』をもう一度使ってもいい。

あのベースラインを、まず声で歌ってみる。

それから、音源を止めてギターで再現する。

最初から正確な音名が分からなくても構わない。

耳で覚えた音の上下を、指板の上で探していく。

そして慣れてきたら、今度は自分で考えた短いメロディーを弾いてみる。

ここで大切なのは、知っているスケールの形に無理やり当てはめないこと。

頭の中で鳴った音が、指板のどこにあるのか。

まずはそれを探す。

この練習を続けていると、少しずつ音と指の距離が縮まってくる。

知らない曲に飛び込んだときも、スケールの形を探す前に、弾きたい音が見えてくることがある。

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■ コードが変わる瞬間を聴く

もう一歩進みたい方には、ここを意識してほしい。

例えば、

A7 → D7 → E7 → A7

という進行。

ブルースなどでも馴染みのある三つのコードを使った流れだ。

実際の12小節ブルースでは、これらのコードを決まった小節数で組み合わせることが多い。

ここでは、練習しやすいように短く並べている。

Aマイナーペンタトニックを中心にしても、ブルージーに弾くことはできる。

でも、ずっと同じ音の組み合わせで弾いていると、コードが変わった感じを十分に表現できないこともある。

そこで、コードが切り替わる瞬間に、そのコードらしい音を狙ってみる。

A7ならC♯。

D7ならF♯。

E7ならG♯。

それぞれのコードの長3度だ。

全部を弾く必要はない。

例えば、A7からD7に変わった瞬間、F♯を一音だけ置いてみる。

すると、伴奏と自分のフレーズが少し強く結びつく。

さらに、各コードの短7度も聴いてみると面白い。

A7ならG。

D7ならC。

E7ならD。

この3度と7度は、ドミナント7thコードの性格を表す大切な音になる。

ここで面白いのは、同じ音でも、コードが変わると役割が変わること。

例えば、Gという音。

A7の上では短7度。

でも、E7の上では短3度にあたる。

同じGでも、伴奏との関係は違う。

E7には本来G♯という長3度が含まれているので、Gを弾けばブルージーな緊張感が生まれる。

つまり、音の名前だけを覚えても、それだけでは足りない。

今鳴っているコードに対して、その音がどんな位置にあるのか。

そこを聴くことが大切なんだと思う。

♪ Chuck Berry – Johnny B. Goode（1958年）

この曲は、ロックンロールを代表する一曲。

有名なギターのイントロは、ギタリストなら一度は弾いてみたくなるんじゃないだろうか。

原曲はB♭を中心としたブルース進行。

基本になるのは、

B♭・E♭・F

という三つのコードだ。

これは、B♭を主音としたときのⅠ・Ⅳ・Ⅴにあたる。

ブルースでは、これらをドミナント7th系の響きとして扱うことも多い。

そのため、ブルースのコード進行を説明するときには、

B♭7・E♭7・F7

という形で表すこともできる。

ただし、これはブルースの仕組みを理解しやすくするための表記であって、原曲で演奏されているすべての伴奏を、そのまま採譜したものではない。

実際の演奏では、ルートと5度を中心にしたパワーコード的な響きや、ブルース特有の音の動きも使われている。

コード譜は、演奏を理解するための一つの地図のようなもの。

地図に道が描かれていても、実際に歩くと景色はもっと複雑だったりする。

音楽も、少し似ている気がする。

ここで聴いてほしいのは、ギターのフレーズと伴奏の関係。

チャック・ベリーの演奏には、ブルース由来の音使いがたくさん出てくる。

メジャーの響きと、ブルージーな短3度のニュアンス。

コードが変わっても、共通するフレーズを使うこともある。

だから、コードが変わるたびに必ずスケールを切り替えなければならない、という話ではない。

むしろ、同じフレーズを弾いていても、伴奏が変わることで音の意味が変わる。

そこが面白い。

では、原曲のキーに合わせて少し試してみよう。

B♭7の長3度はD。

E♭7の長3度はG。

F7の長3度はA。

それぞれのコードに切り替わる瞬間、その音を一つだけ狙ってみる。

次に、各コードの短7度も試してみよう。

B♭7ならA♭。

E♭7ならD♭。

F7ならE♭。

こうした音を意識すると、コードが切り替わったことをメロディーでも表現しやすくなる。

ただし、これはチャック・ベリーが原曲で、コードが変わるたびに必ずこれらの音を狙って弾いている、という意味ではない。

あくまで、ブルース進行を使った即興演奏の練習方法の一つだ。

今度は反対に、B♭を中心としたブルース的なフレーズを、コードが変わっても続けてみる。

どちらが正しいという話ではない。

コードの変化をはっきり聴かせたいときもあれば、共通するフレーズで押し切った方が格好いいこともある。

その選択を、耳でできるようになること。

それが今回の話の、もう一つの目的でもある。

指板全体を走り回らなくても、たった一音で景色が変わることがある。

【動画⑤】Chuck Berry – Johnny B. Goode

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■ 弾かない時間も、ちゃんと聴いている

若い頃の私は、即興演奏というと、とにかく音を出すものだと思っていた。

次から次へとフレーズをつないで、なるべく止まらないようにする。

沈黙が怖かったのかもしれない。

今は少し違う。

知らない曲なら、最初の数小節は弾かずに聴いていてもいいと思う。

ベースがどこへ向かっているのか。

ドラムがどこで重心を置いているのか。

コードが変わるとき、空気がどう動くのか。

そういうものを聴いてから、一音だけ入ってみる。

その一音がしっくり来たら、次を考える。

合わなかったら、少し動かしてみる。

即興演奏だからといって、最初から全部分かっている必要はない。

そもそも、分からないから即興なんだと思う。

……なんて言いながら、実際には私も外す。

しかも、妙に自信満々で外すことがある。

あれは恥ずかしい。笑

でも、そのあとどう戻るか。

そこにも演奏の面白さがある。

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■ もう一歩先へ行きたいギタリストへ

今回の話を練習にするなら、私はこんな順番がいいと思う。

① 伴奏を聴いて、落ち着く音を鼻歌で探す。

『Let It Be』のような、中心になる音を感じやすい曲から始めてみる。

② メジャーとマイナーの3度を弾き比べる。

AメジャーとAマイナーを弾いて、C♯とCの響きの違いを聴く。

そして『Yesterday』では、A7からDmへ向かう音の動きにも耳を向けてみる。

③ 一つのコードで、3音だけのアドリブを作る。

『Stand by Me』のように、少ない音でも印象に残るフレーズを意識してみる。

④ ブルース特有の響きを聴いてみる。

『Sunshine of Your Love』を聴きながら、短3度や♭5が作る独特の響きを感じてみる。

⑤ コードが変わる瞬間に、3度か7度を狙う。

『Johnny B. Goode』のようなブルース進行を聴いてから、自分でも三つのコードを使って試してみる。

一日で全部やる必要もない。

好きな曲を流しながら、今日は3度だけ聴いてみよう、でも十分だと思う。

そして、できれば録音して聴き返してみる。

弾いている最中は気持ちよかったのに、あとで聴くと少し違う。

そんなこともある。

私なんて、録音を聴いて「誰だ、この余計な音を入れたのは」と思ったら、自分だったことがある。

犯人はいつも近くにいる。

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ちなみに、今回紹介した曲は、それぞれの冒頭や特徴的なフレーズを聴きながら、本文に書いたコード進行や音を実際にギターで確かめてみてほしい。

ただし、紹介したコード進行は曲の代表的な部分を抜き出したものや、練習用に簡略化したものもあるので、必ずしも曲の冒頭から最後まで、そのまま弾けるという意味ではない。

まずは音源を聴いて、コードが変わるところで一音だけ合わせてみる。

そこから少しずつ、自分の耳で次の音を探してみるのも面白いと思う。

■ 最後に

スケールを覚えることは、もちろん大切だ。

知っている音が増えれば、選択肢も増える。

でも、覚えたスケールを全部使う必要はない。

その曲の中で、今どの音が欲しいのか。

少し緊張させたいのか。

落ち着かせたいのか。

それとも、何も弾かずに次の音を待つのか。

私も昔に比べて、速く弾くことより、そういう小さな判断に時間を使うようになった。

単に反応が遅くなっただけかもしれないけれど。笑

それでも、誰かの伴奏を聴いて、頭の中に一音が浮かぶ。

その音をギターで鳴らしてみる。

うまく収まる日もあれば、ちょっと違う日もある。

まだまだ耳と指が噛み合わない瞬間もある。

でも、あの最初の一音を探している時間は、今でも嫌いじゃない。

さて、今日はどこから入ろうか。